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Elena Rivera

Entrevista a Elena Rivera, actriz de "Cuéntame cómo pasó".

Sep 18, 2014

Líbranos del mal

No hay nada como una buena salsa para elevar a los altares gastronómicos cualquier tipo de pasta. Ingrediente fundamental para aderezar sustanciosamente este plato en concreto, avocando a los acérrimos a este tipo de viandas a bendecir con especial devoción esa íntima y acertada comunión  entre condimento y elemento a condimentar.
Si trasladásemos el símil al mundo cinematográfico y más en concreto al género del terror, encontraríamos elementos clave que suponen ese ingrediente especial que hará brillar a producciones que sin estos convenientes aderezos quedarían reducidas a un mero ejercicio de tiro con munición de fogueo.
Scott Derrickson emplea en Líbranos del mal, su recién horneado plato fuerte, varios, quizá demasiados de estos típicos edulcorantes que a la postre convierten la receta en algo empalagosa y carente de esa masa fundamental a la que le falta el golpe de calor que le proporciona un horno, a una temperatura y tiempo idóneos. Y es que este relato paranormal basado en una vivencia real va dando tumbos como si de un arbitrario movimiento de peonza se tratara por distintos estadios de algunos géneros del celuloide, que deslavazadamente combinados no hacen otra cosa que, lejos de sumar, restan puntos a una historia que no acaba de transmitir lo que, sin duda, sus responsables pretendieron desde la primera toma.

Insertada en una casi agobiante e interminable oscuridad la cinta se encarama, pretendiendo con ello lograr la venia del respetable al tan manido como recurrente tema “exorcismo”. Este es escoltado a veces por una trama policial comandada por un más que consistente Eric Banna, otras por el consiguiente drama familiar que acarrea el abnegado cumplimiento del deber, y otras enmarañadas tomas tan oscuras como poco relevantes y menos aún reveladoras de ese sobresalto tan esperado como ausente. Por supuesto donde hay exorcismo debe haber exorcista y este, encarnado por Edgar Ramírez, se contagia cómo no, del poco peso específico de su maligno contendiente y en general del de gran parte de la totalidad de la cinta.
Elementos oscuros del pasado del protagonista o incursiones de la trama que atañen  a su propia familia, no hacen sino poner un puntito de sal a una receta un tanto desaliñada.        

 

Carlos Pérez
 

 “Deliver Us from Evil” 


There's nothing like a good sauce to improve any type of past. Essential ingredient to flavor this dish in particular, substantially encouraging the fans to this type of food to bless with special devotion that successful and intimate communion between condiment and element to spice.

If we moved the analogy to the film business and more specifically to the horror genre, we would find key elements that mean that special ingredient that will make productions shine, which without these suitable dressings, would be reduced to a mere exercise in shooting with blank ammunition.

Scott Derrickson employs in "Deliver Us from Evil", his recent baked main dish, several, perhaps too many of these typical sweeteners that ultimately turn the recipe overseet and lacking of that critical dough that lacks the heatstroke that you get with an oven, with a suitable temperature and time. And this paranormal story based on a real experience stumbles as if it was a random top move through different stages of some kinds of celluloid, which disjointed combined, instead of adding, subtract points to a story that doesn't quite convey what undoubtedly perpetrators claimed from the first shot.

Inserted in an almost overwhelming and endless darkness, the film climbs up, pretending thereby to obtain the permission of the audience to the so broken as recurrent theme "exorcism". This is sometimes accompanied by a police plot commanded by a rather than consistent Eric Banna, others by the subsequent family drama that brings the selfless fulfilment of duty, and other tangled scenes as dark as little relevant and even less revealing that awaited as absent startle. Of course where there is exorcism there must be an exorcist too, and this one, played by Edgar Ramírez, who of course gets affected by the light specific importance of his evil contender and in general from the one of most times on the film
Dark elements of the past of the protagonist or incursions of the plot involving his own family, they just put a speck of salt to a somewhat scruffy recipe. 

Carlos Pérez
Review: Pilar Colomo

 

Sep 17, 2014

Encuentro con Daniel Monzón

El pasado 4 de septiembre tuvo lugar en La Fábrica un encuentro con Daniel Monzón, uno de los directores españoles más reconocidos en este momento tanto por el público como por la crítica. El encuentro se desarrolló durante dos horas y tuvo como fin hablar sobre el último trabajo del director, la película española más exitosa del momento: El niño. Su historia es la de dos jóvenes -el Niño y el Compi- que quieren iniciarse en el mundo del narcotráfico, y la de dos agentes de Policía Antidroga –Jesús y Eva- en busca de El Inglés, sospechoso de tener control desde Gibraltar sobre el tráfico de cocaína. Dos mundos enfrentados y complejos, ambos representados en un thriller de acción frenética con una producción impecable.

Daniel Monzón comenzó el encuentro reconociendo lo afortunado que era por el éxito que estaba teniendo su película, sobre todo en su primer fin de semana (450.000 espectadores). Afirmó: “Las películas que no arrancan fuerte la primera semana están muertas”. Tiene parte de razón, teniendo en cuenta el mercado tan competitivo en el que se mueven las películas españolas, casi siempre insignificantes ante el gran aparato de Hollywood. Y es que Monzón ha traspasado fronteras con sus películas; de hecho,  aprovechó para contar dos de las propuestas que había recibido desde EE. UU. pero que rechazó: dirigir Furia de titanes 2 y el remake estadounidense de Celda 211.

Esta película es una de las pocas supervivientes en estos años complicados para el cine español, que se sustenta principalmente a base de fenómenos boca-oreja como el de esta película u otras como la archiconocida Ocho apellidos vascos. Sin duda, para Monzón es esencial hacer un cine que entretenga, que combine una visión personal y un contenido de calidad, pero ante todo que no aburra al espectador.

Al evento acudieron varias jóvenes promesas de la interpretación -entre ellas Román Reyes, ganador del premio a Mejor Actor en la XI edición del Notodofilmfest-, quienes  se encargaron de hacer varias preguntas al director mallorquín. Gracias a ellos y al desparpajo de Monzón, quién demostró un profundo entusiasmo por su oficio, aprendimos una serie de cuestiones acerca de El Niño.
La película contó con un presupuesto de seis millones y en un comienzo se pensó  rodarla en inglés, puesto que varias productoras estaban interesadas en el proyecto; pero Monzón quería hacer un retrato naturalista y veraz, por lo que se desechó tal opción.

Según Monzón, las películas parten de ideas que te fascinan y producen tal obsesión que tienes que filmarlas. Muchas veces son imágenes que te evocan una sensación o emoción determinada las que te llevan a escribir un guión; pero siempre que se rueda una película hay que pensar en su esencia, lo que te lleva en una determinada dirección.

El trabajo tanto con los actores como con el equipo fue de absoluta colaboración; los actores eran libres de adaptar las escenas a su propia situación y forma de interpretar, sin desviarse por supuesto de las pautas básicas que rige la historia. Monzón ante todo buscaba crear autenticidad, y por eso, gran parte de los actores son gente de la calle, sin conocimientos de interpretación. Sin embargo, estos “delincuentes” en la película tuvieron que hacer frente a monstruos de la interpretación como Luis Tosar, Eduard Fernández, Sergi López y Bárbara Lennie. Según comento Monzón, ambos bandos tuvieron que ponerse las pilas, ya que unos se enfrentaban a la experiencia y la sabiduría, y los otros, a la frescura y la juventud. Ante todo, el mallorquín demostró un profundo respeto por todos sus actores, quienes, tanto si tenían un papel significativo en la película como un pequeño papel en una escena, eran actores protagonistas.

Con esta película también hemos asistido al  nacimiento de ese nuevo galán andaluz que cautivó a Daniel Monzón en el casting de la película: Jesús Castro. “Vi unos ojos…”-eso fue lo que nos confesó el director-: “Unos ojos muy interesantes, una mirada magnética”. Según él, hay personas que sufren una total transformación en cámara aunque fuera de ella no sean tan llamativos.

El encuentro se resolvió con elogios de varios de los asistentes hacia Monzón y su espléndido trabajo con esta película; muchos afirmaron sentir una profunda tensión al verla. El público salió con una sensación de optimismo y ganas de ver y hacer más cine que nunca.

Diego Martín
 

Meeting with Daniel Monzón


The 4th of September there was a meeting with Daniel Monzón in La Fábrica. He is currently one of the most recognized Spanish directors, both by the audience and the critic. The meeting lasted two hours and was intended to talk about the latest work of the director, the most successful Spanish film of the moment: “El Niño”. It tells the story of two youngs - el Niño and el Compi- who want to enter in the drug business, and two drug squad agents –Jesús and Eva- who are looking for “el Inglés”, suspect of controlling cocaine trafficking from Gibraltar. Two faced and complex worlds, both represented in a frenetic thriller with a flawless production.

Daniel Monzón began the meeting by recognizing how fortunate he was for the success the film was having, especially in its first weekend (450,000 viewers). He said: "The movies that do not start strong the first week are dead". He is kind of right, given the highly competitive market in which Spanish movies move, almost always insignificant to the great Hollywood system. Monzón happens to have transcended borders with his films; in fact, he said two of the proposals he had received from the United States, but that he rejected: directing “Clash of the Titans 2” and the American remake of “Celda 211”.

This movie is one of the few survivors in these difficult years for the Spanish cinema, based mainly based on WOM phenomena, like this film or others like the well-known  “Ocho Apellidos Vascos”. Certainly, for Monzón is essential to make an entertaining movie; a movie which combines a personal vision with quality content, but, above all, a movie that doesn’t bore the spectator.

The event brought together some young up-and-coming actors, among which there was Román Reyes, Best Actor at the XI edition of Notodofilmfest; they made several questions to the director. Thanks to them and Monzón’s self-confidence, who showed a deep enthusiasm for his craft, we learned some issues aboutEl Niño.

The film had a budget of six million Euros and it was initially thought to be shot in English, as several producers were interested in the project; but Monzón wanted to make a naturalist and truthful portrait, so that option was discarded.

According to Monzón, movies are based on ideas that fascinate you and produce such an obsession that you have to shoot them. There are often images that evoke a certain feeling or emotion that drive you to write a script; but whenever you make a movie, you must always note its essence, which will lead you in a certain direction.

The work with both the cast and the crew was completely cooperative; the actors were free to adapt the scenes to their own situation and way of interpreting, without deviating from the basic guidelines of the story. Monzón primarily aimed to create authenticity, and so, many of the actors were average people, without any interpreting knowledge. However, the "criminals" in the film had to deal with masterful actors such as Luis Tosar, Eduard Fernández, Sergi López and Bárbara Lennie. As Monzón commented, both sides had to pull their socks up, since some had to face experience and wisdom, and others, freshness and youth. Anyhow, Monzón showed a deep respect for all his actors, who, whether they had a significant role in the film or a small role in a scene, were protagonists.

With this film we have also witnessed the birth of the new Andalusian heartthrob who charmed Daniel Monzón during the casting of the film: Jesús Castro. "I saw his eyes...", the director confessed: "Very interesting eyes, with a magnetic gaze". According to him, some people suffer a total transformation on camera, although off camera they are not as flashy.

The encounter finished with compliments from several attendees to Monzón and its splendid job with this film; many affirmed to have felt a deep tension while watching it. The audience left the room with a sense of optimism and a desire to watch and make more movies than ever.

Diego Martín

Review: Pilar Colomo

Sep 15, 2014

Luis Buñuel Portolés, una vida de cine.

Luis Buñuel es uno de los directores más importantes de la historia del cine. Nació en Teruel un 22 de febrero de 1900. A pesar de haber nacido en España, la mayor parte de su obra está hecha entre México y Francia ya que fue exiliado durante la época del franquismo. Estudió Historia en la Facultad de Filosofía y Letras de Madrid donde conoció a sus amigos Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca y Salvador Dalí. En 1922 la revista Ultra publica un texto literario de Buñuel titulado Una traición incalificable. Meses después la revista Horizonte publicó otro relato suyo llamado Instrumentación.  En estos primeros escritos se puede apreciar la influencia de Gómez de la Serna. Años más tarde comenzó a colaborar como crítico cinematográfico en La Gaceta Literaria de Madrid y en la revista parisina Cahiers d’Art. También escribirá la primera obra surrealista del teatro español, Hamlet, junto con José Bello, y coordina el número especial Cinema (1928) de La Gaceta Literaria. 

Una de sus películas más importantes es Un perro andaluz, en la que colaboró Dalí  y financiada por la madre de Buñuel, la cinta se caracteriza por su contenido surrealista. En 1930 finaliza el guión de La bestia andaluza, largometraje que contiene los temas que trató en el resto de su obra cinematográfica: el ataque a la Iglesia, a la burguesía, a las instituciones, la defensa del amor libre, etc. El mismo año viaja a Hollywood invitado por la Metro Goldwyn Mayer para presentar el filme; allí conoce a Charles Chaplin y a Sergéi Eisenstein. La policía prohibió el visionado del largometraje incautando las copias. Después vendrá la fundación de la productora Filmófono junto a Ricardo Urgoiti que produce entre los años 1935 y 1937 Don Quintín el Amargao, de Luis Marquina; ¿Quién me quiere a mí? y La hija de Juan Simón de José Luis Sáenz de Heredia; y ¡Centinela alerta!, de Jean Grémilion. También adaptó al cine la novela de Pío Baroja  La lucha por la vida, y Fortunata y Jacinta y Doña Perfecta, de Benito Pérez Galdós. 

Luis Buñuel recibió el Premio al Mejor Director en el Festival de Canes por Los olvidados, película sobre el proletariado mexicano y que, posteriormente, fue incluida por la Unesco en el Registro de la Memoria del Mundo. En 1961 es galardonado con la Palma de Oro y el Premio de la Crítica en el Festival de Cannes y con el Gran Premio del Humor Negro en París por Viridiana. Otra de sus grandes obras cinematográficas: El ángel exterminador. Su película Simón del desierto, protagonizada por un santo que es constantemente tentado, conseguirá el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia, mientras que Belle de jour, adaptación de la novela del mismo título de Joseph Kessel, será premiada con el León de Oro en la Mostra. En 1968 rueda en París La Vía Láctea, sobre dos peregrinos que hacen el Camino de Santiago. Al año siguiente la Mostra de Venecia le otorga el Gran Premio de Homenaje por el conjunto de su obra. En 1972 dirige El discreto encanto de la burguesía, ganadora del Premio Méliès de la crítica francesa y del Óscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera. De este modo, Buñuel se convierte en el primer español que recibe el máximo galardón de la Academia de Cine de Hollywood.

 
Buñuel sigue siendo venerado y es condecorado con el Premio Nacional de las Artes en México. Además, ese mismo año comienza el rodaje de su última película, Ese oscuro objeto del deseo, premiada con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. En 1979 escribe sus últimos guiones: Una ceremonia suntuosa y La novia de medianoche. En 1980 realiza su último viaje a España para recibir las distinciones de la Universidad Complutense, del Ayuntamiento de Madrid, de la Diputación de Teruel y del Ayuntamiento de Zaragoza. Luis Buñuel falleció en Ciudad de México el día 29 de julio de 1983 de madrugada, a causa de una insuficiencia cardíaca, hepática y renal provocada por un cáncer. Sus últimas palabras fueron para su mujer Jeanne: "Ahora sí que muero". Se mantuvo fiel a su ideología hasta el final: no hubo ninguna ceremonia de despedida, siendo en 1997, cuando finalmente fueron esparcidas sus cenizas en el monte Tolocha, situado en su pueblo natal, Calanda.

 
María del Valle
 

 

Luis Buñuel Portolés, a life like a movie.


 
Luis Buñuel is one of the most important directors in film history. He was born in Teruel the 22nd of February, 1900. Despite being born in Spain, most of his work was made in Mexico and France since he was exiled during Franco´s dictatorship. He studied History at the Faculty of Arts in Madrid where he met his friends, Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca and Salvador Dalí. In 1922 the magazine called “Ultra” published a literary text that Buñuel entitled "An unspeakable betrayal". Some months later , the “Horizon” magazine published another story of him called "Instrument". In these early writings one can see the influence of Gómez de la Serna. Years later he began working as a film critic in The Literary Gazette of Madrid and the Paris magazine Cahiers d'Art. He also wrote the first work of Spanish surrealist theatre, Hamlet, along with Jose Bello, and coordinated the special edition “Cinema” (1928) in The Literary Gazette.
 

One of his most important films is “Un Chien Andalou", characterized by its surreal content, in which Dalí collaborated and was funded by Buñuel's mother. In 1930 he finished the script for “La Bestia Andaluza”, which talks about the same topics that he dealt with in his other movies: the criticism of the Church, the bourgeoisie, institutions, defense of free love, etc. The same year he travelled to Hollywood as a guest of Metro Goldwyn Mayer to present the film; there he met Charles Chaplin and Sergei Eisenstein. Police banned the film confiscating the copies. Later he created the production company Filmófono with Ricardo Urgoiti. Between 1935 and 1937 they produced “Don Quintin el Amargao”, by Luis Marquina; “¿Quién me Quiere a Mí?” and “La Hija de Juan Simón” by José Sáenz de Heredia, and “¡Centinela alerta!” by Jean Grémilion. They also adapted the novel by Pío Baroja “La Lucha por la Vida”, and “Fortunata And Jacinta” and “Doña perfecta” by Benito Pérez Galdós.
 

Luis Buñuel received the Best Director Award at the Cannes Film Festival for the film “Los Olvidados” about the Mexican proletariat and that later was added by UNESCO in the Register of the Memory of the World. In 1961 he was awarded the Palme d'Or and the Critics Award at the Cannes Film Festival and the Grand Prix of Black Humor in Paris for “Viridiana”. “The Exterminating Angel” is another of his great films. His film “Simon of the Desert”, starring a saint who is constantly tempted, got the Silver Lion in the Venice Film Festival, while “Belle de Jour”, a dramatization of the novel by Joseph Kessel was awarded the Golden Lion in the Mostra. In 1968 he shot in Paris “The Milky Way” about two pilgrims walking the St. James Way. The Venice Film Festival awarded him on the following year the Homage Grand Prix for all his works. In 1972 he directed “The Discreet Charm of the Bourgeoisie”, winner of the Méliès Prize by the French film critics and a Hollywood Oscar for Best Foreign Film. Thus, Buñuel became the first Spanish who received the most important award of the Hollywood Film Academy.
 

Buñuel kept being admired and he was awarded the National Award for the Arts in Mexico. Also, that same year he began shooting his latest film, “That Obscure Object of Desire”, awarded the Golden Shell at the San Sebastian Film Festival. In 1979 he wrote his latest scripts: “Una Ceremonia Suntuosa” and “La Novia de Medianoche”. In 1980 he made his last trip to Spain to receive awards from the Complutense University, Madrid City Council, Teruel Council and Zaragoza City Council. Luis Buñuel died in Mexico City on July 29, 1983 in the early morning because of a heart, liver and kidney failure as a result of cancer. His last words were addressed to his wife Jeanne, "Now I really die." HIs ideology remained faithful to the end: there was no farewell ceremony, being in 1997 when his mortal remains were finally scattered on Mount Tolocha, located in his hometown, Calanda.

 
 

Review: Pilar Colomo

Sep 8, 2014

Locke

A veces, el entonar cierto discurso con un hilo de voz apenas audible puede resultar la táctica más eficaz para ahogar el más estridente y sonoro de los gritos. Y es que los caminos que llevan a esto de atraer la atención del respetable son tan insondables como las propias prioridades del tan exigente espectador a la hora de dejarse abducir por esta o aquella secuencia, plano, diálogo, efecto especial, banda sonora, o demás rocambolescas piezas de las que se compone una producción cinematográfica.
 
Este singular y austero método de arrastrar a la taquilla a todo tipo de cinéfilos al que últimamente nos hemos habituado con producciones tales como Buried, Cuando todo está perdido, o 127 horas, entre otras, en las que un solitario y desesperado personaje debe lidiar con una larga lista de vicisitudes, posee su propia filosofía acerca de qué es lo primordial a la hora de establecer esa conexión especial entre espectador y espectáculo, máxima esencial para cualquier profesional del celuloide. Sin necesidad de tirar de dantescos y asombrosos efectos especiales, este tipo de films se las apaña con apenas un ramillete de sencillos planos y un buen guión, al que no le hace falta más sustento que el de un intérprete que esté a la altura del mismo. 
Intérprete cual Tom Hardy, solo ante el peligro en Locke, que incrustado en el asiento de su BMW desde la primera a la última secuencia, establece ese vínculo comunicativo con el respetable a la vez que lo hace con los no menos brillantes  interlocutores, en este caso telefónicos, Olivia Colman, Andrew Scott y Ruth Wilson. El personaje de Hardy, atrapado por ese ínfimo habitáculo, una oscura y fría autopista y un pasado del cual regresan ciertos fantasmas, emprende un viaje físico y moral en el que de alguna manera intenta congraciarse con cada una de las personas que se han visto perjudicadas con la toma de una decisión arriesgada, la cual puede dar al traste con los pilares donde se asientan su vida familiar y profesional.
Escrita y dirigida por el británico Steven Knight, el cual nos invita a este paseo nocturno sin más pretensión que la de ponernos en la piel de Ivan Locke. Sin entender muy bien el porqué de tan aventurada circunstancia, hasta que vislumbramos ciertas pistas que nos llevan a concluir que en este viaje, en el que la balanza de ganancias y pérdidas se inclina más hacia esta última, existen poderosas razones que le empujan a cumplir con su obligación moral.  
 
Carlos Pérez
 

                                                           “Locke”


Saying a speech with a barely audible whisper can sometimes be the most effective tactic to silence the most shrill and loud of the shouts. The thing is that the ways leading to attract the attention of the audience are as unfathomable as the own priorities of the so demanding viewer when it comes to being impressed by this or that sequence, shot, dialogue, special effect, soundtrack, or other bizarre parts that compose a film production.
This unique and austere method to win to the box office over all kinds of film fans that lately we have got used to productions such as “Buried”, “All is lost”, or “127 hours”, among others, in which a lonely and desperate character must deal with a long list of vicissitudes, he has his own philosophy about what is fundamental in establishing that special between spectator and spectacle, essential core idea for any film professional. No need to use Dantesque and amazing special effects, this type of films can manage well with just a bunch of simple shots and a good script, which does not need more than a performer who is at the height.
An interpreter like Tom Hardy, facing the danger alone in "Locke", glued to the seat of his BMW from the first to the last sequence, establishing that communication link with the audience while also with the no less brilliant partners, in this case by phone, Olivia Colman, Andrew Scott and Ruth Wilson. Hardy´s character is trapped in that tiny inside, a dark and cold highway and a past from which some ghosts return, undertakes a journey physical and morale in which he, somehow, tries to ingratiate himself with each one of the people who have been damaged with a risky decision making, which can put paid to the base where they settle their family and professional life. 
Written and directed by the British Steven Knight, he invites us to this evening stroll with no aim other than put ourselves in Ivan Locke´s shoes. We can´t understand very well the reason for such risky circumstances, until we see certain tracks that lead us to conclude that on this trip, in which the balance of profit and loss leans more towards the latter, there are powerful reasons that push him to fulfill his moral obligation.  
Carlos Pérez
Review: Pilar Colomo

Sep 4, 2014

Doctor Who vuelve con un nuevo Doctor

El pasado 23 de agosto se estrenó la octava temporada de la nueva serie de Doctor Who, en un episodio que incluía el Londres victoriano, un dinosaurio en el río Támesis y el debut de Peter Capaldi como el Doctor, convirtiéndose así en el decimotercer actor que encarna a este personaje tan querido de la ciencia-ficción británica.
 
La llegada de Capaldi al papel viene acompañada de un cambio tonal que se acerca al tono más serio y sombrío que tuvo la serie clásica durante las encarnaciones del tercer y cuarto Doctor, de los que el propio Capaldi era fan en su juventud, con un protagonista más frío y calculador que sus anteriores encarnaciones. También es una vuelta a la tradición de tener actores maduros en el papel, tendencia que había cambiado con David Tennant y Matt Smith, que a día de hoy sigue siendo el actor más joven en interpretar al personaje (tenía 27 años cuando obtuvo el papel).
Doctor Who empezó su aventura televisiva en 1963 de la mano de la BBC y del actor William Hartnell, el primero en interpretar a este alienígena con dos corazones capaz de viajar en el espacio y en el tiempo gracias a su adorada nave, el TARDIS. Gracias a la idea de la regeneración que hace que el Doctor sea capaz de cambiar completamente de cuerpo y personalidad cuando está a punto de morir, la serie ha podido aguantar en emisión durante un total de 35 años. La primera vez de 1963 a 1989 en la ahora llamada Who Clásico, y una TV movie en 1996, tras lo cual estuvo varios años sin emitirse, hasta que Russel T. Davies resucitó la ficción ahora conocida como Doctor Who 2005 (en referencia al año de estreno de la nueva versión de la serie, que mantiene la continuidad con la serie clásica).
Desde entonces la serie se ha convertido en un gran éxito en el Reino Unido y Estados Unidos, su popularidad es tal que algunos capítulos, como el especial 50 años llamado El día del Doctor o Deep breath (el episodio que se emitió el 23 de agosto) se han proyectado en cines de todo el mundo para que sus fans pudiesen disfrutar de la serie en la gran pantalla. La versión moderna de la serie ha engendrado dos spin-offs: Torchwood, protagonizada por un personaje de Doctor Who, el capitán Jack Harkness interpretado por Jon Barrowman, en la que se tratan las tramas de Doctor Who desde una perspectiva más adulta y oscura, y Las aventuras de Sarah Jane Smith, una serie infantil protagonizada por la actriz Elisabeth Sladen, que interpretó a uno de los personajes más populares de la era clásica y que tristemente falleció víctima del cáncer en el 2011.
Sin duda Doctor Who es una serie clave de la historia de la televisión que gracias a su naturaleza cambiante y a su leal base de fans logrará vivir aventuras durante muchísimos años más. Esperamos estar ahí para poder verlo.  

“Doctor Who” comes back with a new Doctor

This past 23th of August the eight season of “Doctor Who” premiered in an episode that included Victorian London, a dinosaur in the middle of the Thames and the debut of Peter Capaldi as the Doctor, which makes him the thirteenth actor to play this beloved character from the British science-fiction genre.

The arrival of Capaldi also includes a change of tone that gives the show a more serious and somber environment closer to the classic show with the adventures of the third and fourth Doctor (with a main character that is colder and more cunning) which were the ones Peter Capaldi grew up with when he was young. It also means the show is going back to the tradition of having mature actors playing the main role, something that hadn’t happened in the years David Tennant and Matt Smith played the character, with Matt Smith still being the youngest actor ever to play the role (he was just 27 when he started his work as the Doctor)

“Doctor Who” started its adventure on TV in 1963 thanks to BBC and the actor William Hartnell, the first person to ever play the alien with two hearts capable of travelling through time and space thanks to his beloved ship, the TARDIS. Thanks to the idea of the regeneration, that allows the Doctor to change his body and personality every time he is about to die, the show has been on the air a total of 35 years. The first time from 1963 to 1989 in a show that is now called “Classic Who”, a TV movie in 1996, after which it was several years off the air, until Russel T. Davies resurrected the fiction that is known as “Doctor Who 2005” (in reference to the year the new version of the show, that respects the continuity of the original series, premiered).

Since then the show has become a huge hit in the United Kingdom and the United States, it’s so popular that some episodes, like the 50th anniversary special called “The Day of the Doctor” or “Deep Breath” (the episode that aired this past 23th of August) have been showed in cinemas everywhere so that its fans could enjoy the show on the big screen. The modern version of the show has also given birth to two different spin-offs: “Torchwood”, whose main character is Captain Jack Harkness (played by Jon Barrowman, who made his debut in “Doctor Who) that shows some of the plots from “Doctor Who in a darker light, and “The Adventures of Sarah Jane Smith”, a kids show that starred Elisabeth Sladen, who played one of the most beloved characters from that “Classic Who” era and who sadly passed away due to her cancer in 2011.

Doctor Who is a key show in television history that thanks to its changing nature and its loyal fans is going to be able to keep going forward with new character and adventures for a very long time, and we hope to be here to see them.

 

Almudena Menéndez

Review: Pilar Colomo